Arts et spectacles
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Anna-Eva Bergman : vies lumineuses
Thomas Schlesser
- Gallimard
- Temoins De L'art
- 10 Novembre 2022
- 9782072986208
Elle a longtemps échappé aux radars de l'histoire de l'art. On découvre aujourd'hui avec Anna-Eva Bergman (1909-1987) une peintre d'importance majeure qui a investi dans son oeuvre une ambition sacrée, presque mystique. Sa vie, racontée pour la première fois grâce à une enquête au coeur de ses archives, est hors norme:une enfance norvégienne sous le signe de la peur; une jeunesse bohème et aventureuse à travers l'Europe; une carrière d'illustratrice; des démêlés avec l'Allemagne nazie; une lutte acharnée avec une santé défaillante; trois mariages, dont deux avec le même homme - Hans Hartung - à vingt-huit ans de distance; une fin tragique dans la splendeur de sa villa d'Antibes.Mais, surtout, Anna-Eva Bergman, c'est une vie dédiée à la création, loin des modes. Elle est aujourd'hui l'objet d'un engouement spectaculaire et sa cote s'envole. Il n'en a pas toujours été ainsi. Insuffisamment reconnue dans son pays d'origine, défendue par quelques rares alliés en France et en Europe, elle fera une très honorable carrière, certes, mais en sourdine, souvent dans l'ombre. Elle a beau croiser la route de Kandinsky, Soulages ou Rothko, elle demeure marginale. Caractérisés par l'emploi de feuilles d'or et d'argent et le rythme de la ligne, ses tableaux sont des évocations hiératiques et simplifiées, radicales, des grandes forces structurantes de l'univers - les éléments, les minéraux, le temps ... Elle a laissé une quantité considérable de documents (la plupart en norvégien) qui permettent de comprendre enfin cette femme, dans la complexité de son être, le drame de son existence et la magnificence de son oeuvre.
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Faire rêver ; de l'art des Lumières au cauchemar publicitaire
Thomas Schlesser
- Gallimard
- Art Et Artistes
- 17 Octobre 2019
- 9782072799440
Cet ouvrage est une histoire de ce qui fait rêver et de ceux qui font rêver:architectes des Lumières, partisans de la suggestion tels que Turner ou Mallarmé, visionnaires surréalistes, cinéastes du fantastique... Il reconstitue depuis le XVIII? siècle jusqu'à nos jours la généalogie d'une ambition extraordinaire:trouver les meilleures formules pour stimuler l'imaginaire et inventer un monde enchanté, ce que les saint-simoniens désignent comme un «paradis terrestre», grâce à l'influence de la création sur la psyché. C'est donc aussi une histoire politique car cette quête est sous-tendue par des projets de réforme de la société au potentiel parfois totalitaire. Le fantasme esthétique tourne alors au cauchemar publicitaire et asservissant - au point de rendre la formule «faire rêver» suspecte, sinon dangereuse. Dialogue entre les arts, les idées et les sciences, le présent essai fait écho à des problématiques qui vont bien au-delà de la culture visuelle, traitant aussi bien des développements de l'intime en Occident que des hantises post-humanistes.
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L'art face à la censure ; six siècles d'interdits et de résistances
Thomas Schlesser
- Beaux Arts Editions
- 6 Mars 2019
- 9791020404695
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Cet ouvrage, toujours d'actualité, bénéficie d'une iconographie très spectaculaire soulève des enjeux très contemporains : transhumanisme, statut de l'animal, crise écologique, peur de la fin du monde.
L'art a, de manière très spectaculaire, dépeint et décrit depuis deux siècles et demi les forces qui dépassent (et déclassent) l'être humain. Non plus les forces invisibles du divin mais les soulèvements de la nature, l'immensité du temps et de l'espace, les conséquences incontrôlables des avancées scientifiques sur le vivant.
Oui, de nombreux artistes - et parmi les plus géniaux, de Turner à Pierre Huyghe et de Claude Monet à Stanley Kubrick - ont montré comment l'homme a senti lui échapper son sentiment de centralité dans le cosmos ; ils ont représenté cette crise essentielle en relativisant sa présence d'une part et en exprimant, d'autre part, les mystères enchantés ou les menaces cauchemardesque de l'univers dans lequel il se meut.
Aussi ce livre, qui privilégie la peinture mais fraie aussi du côté de la sculpture ou du cinéma, donne-t-il à voir et comprendre des paysages édéniques et vierges, des beautés végétales et animales, la furie mortifère des éléments, le fantasme d'une civilisation complètement mécanisée, le saut dans l'abstraction, l'âme des choses ou encore l'anticipation de l'Apocalypse...
En suivant un parcours chronologique de 1755 à nos jours, il raconte, de manière très accessibles les grands événements historiques (le séisme de Lisbonne, la bombe atomique, etc.), scientifiques (les découvertes de Darwin, la conquête spatiale), personnels (les drames de l'enfance de Friedrich, la crise mystique de De Chirico) qui ont conduit des artistes à montrer ce qu'est, selon la magnifique expression de Baudelaire, « l'univers sans l'homme ». -
Abraham Poincheval
Thomas Schlesser
- Les Presses Du Reel
- Palais De Tokyo
- 1 Février 2017
- 9782840669432
Première monographie, s'inscrivant dans la collection publiée avec Les presses du réel en lien avec les expositions du Palais de Tokyo, avec des vues d'exposition et une sélection d'oeuvres emblématiques, un entretien, un essai et un ensemble de notices.
Abraham Poincheval est un explorateur insatiable. Qu'il s'agisse de traverser les Alpes en poussant une capsule qui lui sert d'abri ou de s'enfermer une semaine dans un rocher, ses expéditions - itinérantes ou statiques - nécessitent un engagement total du corps. Les sculptures habitables que l'artiste conçoit sont des laboratoires au moyen desquels il fait l'expérience du temps, de l'enfermement ou de l'immobilité. Elles sont l'enveloppe qui accueille le performeur, l'objet qui perturbe le paysage et qui existe à travers les récits des témoins. Les deux nouvelles performances d'Abraham Poincheval au Palais de Tokyo le conduisent à expérimenter les temporalités des règnes animal et minéral.
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L'art face à la censure ; cinq siècles d'interdits et de résistances
Thomas Schlesser
- Beaux Arts Editions
- 7 Mai 2011
- 9782842788384
La censure sur les oeuvres d'art existe depuis des siècles, elle fut d'abord l'apanage de l'Eglise, grande spécialiste de la mise à l'index et des autodafés, qui livra une véritable guerre contre les images, censurant ce qui s'éloignait des canons officiels. On pouvait penser qu'après la révolution de 1789, la censure allait reculer devant la raison.
Mais dès 1793 un décret propose la destruction des gisants de Saint-Denis et une vague de vandalisme détruit de nombreux chefs d'oeuvre du patrimoine. Au XIXe siècle, la censure est surtout politique et s'attaque à la presse, notamment ses illustrateurs tel Daumier. La liste des artistes frappés par la censure religieuse ou étatique est longue : Courbet, Manet, Munch, Schiele, Malévitch, Picasso, Dali...
Fer de lance de la paranoïa dans les régimes totalitaires, la censure n'existe plus officiellement dans les pays démocratiques, mais elle emprunte des voies plus insidieuses : pressions contre les musées, dénonciations calomnieuses, interdictions à certaines catégories de public.
Les artistes n'ont pas fini de se battre contre les hérauts de l'ordre moral et les conservateurs de tous ordres. Car la censure pose la question des limites de l'art : que peut-on ou que doit-on représenter ? pour quel public ? Jusqu'où l'art peut-il aller trop loin ?
A travers un choix d'un cinquantaine de cas de censure, de la Renaissance à nos jours, Thomas Schlesser, historien de l'art et romancier, invite à redécouvrir des chefs d'oeuvre méconnus, des tableaux scandaleux, des gravures interdites, des films censurés.
Du procès de Véronèse aux photographies récemment censurées de Larry Clark, en passant par l'iconoclasme de la Réforme, les scandales Courbet et Manet, l'emprisonnement de Daumier ou d'Egon Schiele ou l'exposition d'art dégénéré organisée par les Nazis, l'auteur raconte en détails, à l'aide d'anecdotes, de documents et de commentaires détaillés, l'histoire de ces oeuvres, qui ont affronté les pouvoirs en place et qui ont témoigné de la progression de la liberté en art.
Raconter les épisodes de censure, c'est en effet voir tout à la fois ce qu'on attend et ce que l'on craint de la création, c'est surtout mesurer le pouvoir des images et le désir de contrôle que l'autorité cherche à exercer sur elle. C'est donc raconter une histoire des consciences.
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Receptions de courbet - fantasmes realistes et paradoxes de la democratie (1848-1871)
Thomas Schlesser
- Les Presses Du Reel
- 10 Octobre 2007
- 9782840662044
Un essai pour décrypter le mythe et les fantasmes socio-politiques entourant l'oeuvre et la vie de Courbet sous le Second Empire, en les resituant dans le contexte des conflits d'opinion de l'époque.
De Gustave Courbet, on fixa fort tôt des images en pagaille : le démocrate rouge de la Commune, l'amoureux de la nature, le paysan foulant Paris de ses sabots, le bohème alcoolique. On affecta surtout à son style dit « réaliste » de saisissantes vertus et des dangers potentiels qui émanaient d'aspirations socio-politiques antagonistes. Pourtant, dans ce concert dissonant - dont on doit les plus fameux morceaux de partition à Baudelaire, Bruyas, Castagnary, Cham, Champfleury, Gautier, Planche, Proudhon, Sabatier-Ungher ou Zola - , il y avait la projection d'une obsession commune. Cette peinture éprise de mimesis, excluant l'imagination, assujettie à une pure représentation de l'univers sensible, pouvait, comme le miroir des frères Grimm, dire son mot sur le monde et aiguillonner son cours : l'harmoniser ou le désunir, le soigner ou l'achever, lui promettre l'avenir ou le promettre au passé... Cette esthétique qui semblait prendre acte de la réalité était en réalité une esthétique en actes.
Ce livre décrypte la généalogie d'un mythe de l'histoire de l'art, dont le début du XXIe siècle n'est pas encore revenu. Il relève certaines des facultés fantasmatiques prêtées aux productions de Courbet sous le Second Empire pour révéler la nature d'attentes collectives. Plus encore, le présent essai tempère l'idée selon laquelle l'oeuvre et la vie de Courbet seraient dépositaires d'une dimension démocratique. Si cette dernière existe, elle procède davantage des conflits d'opinion que provoquait un art à la fois puissamment matériel et inintelligible parmi des contemporains à l'affût du moindre espace d'expression.
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La musique passionnément ; 30 ans du fonds d'action Sacem
Thomas Schlesser
- Textuel
- Musique Et Danse Beaux Livres
- 22 Novembre 2007
- 9782845972513
Depuis 30 ans, le Fonds d'Action Sacem conduit " sans bruit " une politique de mécénat en faveur de la musique particulièrement active et diversifiée. Il se donne pour objectifs : d'encourager les jeunes à venir aux concerts de musique classique ; de promouvoir la musique de film et le métier de compositeur de musique de cinéma ; de soutenir la création des compositeurs au travers des commandes ; de favoriser les opérations musicales en faveur des jeunes défavorisés... Son histoire épouse celle de moments forts de la vie artistique des trois dernières décennies. Présent sur des festivals d'envergure internationale, il initie également des publications scientifiques de tout premier plan. La musique passionnément retrace les actions et les engagements de cette institution. Au travers de témoignages et projets les plus audacieux, le Fonds d'Action Sacem souhaite continuer pour longtemps à servir la musique, toutes les musiques.
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Paul Chenavard ; monuments de l'échec (1807-1895)
Thomas Schlesser
- Les Presses Du Reel
- 9 Décembre 2009
- 9782840662945
Visionnaire, célèbre et célébré, talentueux et redoutablement savant, le peintre d'origine lyonnaise Paul Chenavard fut tout au long du XIXe siècle - dont il rallia quasiment les deux extrémités (1807-1895) - un personnage central de la vie artistique. Il n'en demeure aujourd'hui rien, ou presque. Son obsession d'un dispositif esthétique absolu, susceptible de dévoiler les ressorts de l'histoire et de l'infléchir, écrasa sa vie. Incapable d'achever son gigantesque projet de Palingénésie universelle que lui inspirèrent Hegel et les peintres mystiques allemands, ratant l'occasion de l'installer au coeur du Panthéon, il finit par promener, au fil des coteries et des portraits qui lui rendaient hommage, sa tenace mélancolie.
La carrière de Paul Chenavard fait partie des grands exemples de l'auto-investiture sociale de la création, ambitionnant, à compter du romantisme, de rénover le monde. La vocation du peintre-prophète est surtout l'illustration édifiante de l'écart entre les prétentions historiques qui construisent le mythe moderne de l'artiste et une efficacité pour le moins relative. C'est cet écart que mesure le présent essai, à la recherche d'un être dont le trajet, faute d'être digne des grands maudits, confina à l'errance des destins manqués.
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Un " peintre en sabots " descendu du Jura et marchant sur Paris pour secouer les beaux-arts en y administrant un souffle nouveau, à forte teneur républicaine et socialiste : c'est ainsi que Courbet fut perçu par ses contemporains. L'homme goûte la publicité tapageuse et affectionne les sujets qui excitent le public. Un enterrement à Ornans, présenté en 1851, inaugure ainsi deux décennies d'excès marquées par l'exposition de toiles que les contemporains jugeaient outrancières. Doté d'une liberté technique qui confère à ses tableaux une saisissante originalité, Courbet, avec ses compositions dissonantes, ébranle le Second Empire soumis à un académisme encore tout-puissant. Cet ouvrage permettra de se familiariser avec ses inventions picturales qui, en de nombreux points, annoncent les avant-gardes du XXe siècle. II tentera également de saisir le " mythe " Courbet en mesurant son influence sur ses plus notables confrères (Millet, Manet, Monet...) et en décryptant les savoureux détournements des caricaturistes. Hérault d'une peinture nouvelle, Courbet devint finalement le martyr de la Commune, emprisonné puis contraint à l'exil suite au " déboulonnage " de la colonne Vendôme. Selon les principes de la collection " Tableaux choisis ", ce livre propose des clefs d'analyse pour comprendre l'oeuvre de Courbet présentée à travers le prisme de douze toiles emblématiques exposées dans les plus grands musées.
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Le roman vrai de l'impressionnisme ; 30 journée qui ont changé l'art
Thomas Schlesser, Bertrand Tillier
- Beaux Arts Editions
- 16 Mai 2018
- 9791020404664
Plus qu'une histoire de l'impressionnisme, ce sont des histoires qui sont ici racontées par deux spécialistes.
Documentés de façon très précise, mais dans un style romancé, ces trente récits de journées bien réelles retracent l'évolution d'un mouvement qui a révolutionné la peinture. Du scandale d'Impression, soleil levant exposé chez Nadar en 1874, au don par Claude Monet de ses Nymphéas à l'État français en 1918, l'ouvrage nous fait revivre les disputes d'Edgar Degas et Gustave Caillebotte au café Guerbois, le mariage d'Eugène Manet avec Berthe Morisot, le conflit qui oppose Pierre-Auguste Renoir à Camille Pissarro, l'installation du docteur Gachet à Auvers-sur-Oise ou la faillite du marchand Paul Durand-Ruel.
En revenant sur les hauts lieux et les grandes dates de l'impressionnisme, ce « roman vrai » permet de comprendre l'histoire de ce groupe d'artistes qui, en quittant l'atelier pour peindre sur le motif, allaient, par leur travail sur la touche et la lumière, bouleverser le regard.
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Legacy : Alberto Giacometti-Sophie Ristelhueber
Sophie Ristelhueber, Hugo Daniel, Pierre Wat, Thomas Schlesser
- Fage
- 22 Septembre 2022
- 9782849757246
« Legacy » fait dialoguer des oeuvres anciennes, inédites?et de nouvelles productions de Sophie Ristelhueber?avec un ensemble d'oeuvres d'Alberto Giacometti. Reconnue mondialement pour son travail photographique sur la guerre, l'artiste propose ici une réflexion tout aussi importante mais moins connue, autour des traces de la mémoire familiale inscrites dans les lieux et objets de réminiscence. Cet ouvrage richement illustré permet de saisir la force et la singularité de ces oeuvres de l'intimité. Dans une approche teintée de mélancolie, Ristelhueber revisite l'un des sujets fondamentaux de l'artiste moderne, l'ambivalence entre la vie et la mort dans la représentation artistique.«Legacy» places old works, not previously exhibited and new productions of Sophie Ristelhueber side by side in dialogue with a series of pieces by Alberto Giacometti. Internationally renowned for her photographic work on war, the artist presents here a reflection as important but less well-known on the traces of family memory inscribed in places and objects of reminiscence. This richly illustrated book gives the reader the opportunity to discover the strength and singularity of her works on intimacy. In an approach tinged with melancholy, Ristel- hueber revisits one of the main issues the modern artist is concerned with, the ambivalence between life and death in art representation.
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Hartung et les peintres lyriques
Xavier Douroux, Thomas Schlesser, Juliette Evezard, Pauline Mari, Judicaël Lavrador
- Fonds Helene & Edouard Leclerc Pour La Culture
- 8 Décembre 2016
- 9791096209002
Cet ouvrage, édité sous la direction de Xavier Douroux à l'occasion de l'exposition présentée au FHEL en 2017, cherche à montrer la vision d'un artiste, Hans Hartung qui s'est imposé comme une des figures centrales d'une peinture libérée des règles classiques comme de la tentation d'un nouvel académisme : une peinture abstraite, où prime une facture très expressive - une mise en forme qui donne naissance à des formes amples et à des contrastes de couleurs puissants.
Cette peinture, tout en étant émancipée, demeure habitée par un sens aigu du contrôle, une adhésion choisie à la maîtrise.
L'oeuvre de Hartung entre en résonance avec celles d'autres artistes : ceux que l'on relie historiquement à « l'abstraction lyrique », mais aussi de grands noms de la scène internationale.
Illustré par un ensemble inédit d'oeuvres provenant des collections de la Fondation Hartung- Bergman.
Mise en persperctive de l'oeuvre d'Hartung avec une sélection de peintures d'artistes internationaux.
Enrichi de textes de spécialistes tels que Xavier Douroux, Thomas Schlesser, Juliette Evezard ou Judicaël Lavrador.
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La correspondance de Courbet ; 20 ans après
Yves Sarfati, Thomas Schlesser
- Les Presses Du Reel
- 1 Août 2018
- 9782378960315
Un retour sur la correspondance de Gustave Courbet, par un ethnologue, une écrivaine, un psychanalyste, un chasseur, un philosophe, un gastroentérologue, un psychiatre, deux conservatrices du patrimoine et six historien.ne.s d'art.
Il y a 20 ans, paraissait l'intégrale de la correspondance de Gustave Courbet sous l'égide d'une chercheuse américaine : Petra ten-Doesschate Chu. Sa publication nous permettait d'accéder à un panorama autobiographique de Courbet, depuis ses 18 ans jusqu'à l'heure de sa mort. Il fallait fêter cet événement. D'une part pour remercier Petra Chu en personne, toujours très active, de son travail considérable, précis, minutieux, et obtenir ses confidences sur les origines de cette publication, avant elle plusieurs fois annoncée d'intention mais jamais aboutie. D'autre part, pour prendre la mesure des renouvellements considérables que la Correspondance de Courbet a introduits dans la réception du peintre, la compréhension de ses toiles, la perception de l'homme. À ce titre, pour beaucoup de chercheurs réunis dans cet ouvrage anniversaire, la parution de la somme de Petra Chu en 1996 est un jalon aussi important dans l'historiographie du peintre d'Ornans que l'accrochage public de L'Origine du monde au musée d'Orsay en 1993.
Autour de Petra Chu sont donc ici réunis : un ethnologue, une écrivaine, un psychanalyste, un chasseur, un philosophe, un gastroentérologue, un psychiatre, deux conservatrices du patrimoine et six historien.ne.s d'art. Une multiplicité de perspectives et de discours pour célébrer la richesse du matériau réuni par « Le Chu », en croisant les champs disciplinaires pour démontrer l'inépuisable source de l'ouvrage, et découvrir un Courbet homme de lettres, plus protéiforme, plus humain et plus subtil que jamais. Tantôt séducteur, tantôt procureur ; tantôt ostensible, tantôt inconscient ; tantôt syntone à l'interlocuteur ou à l'événement, tantôt digressif, ordalique : toujours Courbet vibre au rythme de son temps, du temps historique, politique, et du temps biologique aussi, que viennent rythmer les grands cycles de la vie du peintre, ses maladies comme ses ivresses, ses réactions irréfléchies comme ses adresses stratégiques. À la veille de son bicentenaire, un Courbet plus vivant que jamais.
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Yan Pei-Ming face à Courbet
Thomas Schlesser, Collectif
- Les Presses Du Reel
- 16 Juillet 2019
- 9782378961015
Catalogue de l'exposition mettant en vis-à-vis des grandes oeuvres de Gustave Courbet et des créations de l'artiste contemporain Yan Pei-Ming, à l'image de ce qu'il créa en 2009 au musée du Louvre avec ses « Funérailles de Mona Lisa » : Yan Pei-Ming propose une série d'oeuvres inédites spécialement créées pour le bicentenaire de la naissance de Courbet.
Pour célébrer le Bicentenaire de la naissance de Gustave Courbet, il fallait nécessairement, après avoir rappelé tout ce que l'art doit à la liberté esthétique que le peintre a su imposer en son temps, montrer combien il reste une référence pour les artistes d'aujourd'hui.
C'est Yan Pei-Ming, peintre contemporain et internationalement reconnu, qui se confronte à une dizaine d'oeuvres majeures du maître d'Ornans. C'est d'ailleurs dans l'atelier de Courbet à Ornans que Yan Pei-Ming a réalisé les toiles qui viennent relever le défi d'un face-à-face.
L'exposition Yan Pei-Ming face à Courbet s'attache à traduire les multiples connivences artistiques entre ces deux peintres à quelque six générations d'écart. Il y a dans la manière d'être et de peindre de Yan Pei-Ming bien des points communs avec Courbet, un geste large et sûr, une bataille livrée sur de grands formats et toujours une densité émotionnelle que l'artiste sait cacher sous son apparence sereine et joyeuse.
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Le roman vrai de l'impressionisme
Thomas Schlesser, Bertrand Tillier
- Beaux Arts Editions
- 15 Mai 2010
- 9782842787394
Plus qu'une histoire de l'impressionnisme, ce sont des histoires qui sont ici racontées par deux spécialistes.
Documentés de façon très précise, mais dans un style romancé, ces trente récits de journées bien réelles retracent l'évolution d'un mouvement qui a révolutionné la peinture. Du scandale d'Impression, soleil levant exposé chez Nadar en 1874, au don par Claude Monet de ses Nymphéas à l'Etat français en 1918, l'ouvrage nous fait revivre les disputes d'Edgar Degas et Gustave Caillebotte au café Guerbois, le mariage d'Eugène Manet avec Berthe Morisot, le conflit qui oppose Pierre-Auguste Renoir à Camille Pissarro, l'installation du docteur Gachet à Auvers-sur-Oise ou la faillite du marchand Paul Durand-Ruel.
En revenant sur les hauts lieux et les grandes dates de l'impressionnisme, ce "roman vrai" permet de comprendre l'histoire de ce groupe d'artistes qui, en quittant l'atelier et pour peindre sur le motif, allaient, par leur travail sur la touche et la lumière, bouleverser le regard.
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Rodin ; la chair et le marbre
Thierry Dufrêne, Bénédicte Garnier, Thomas Schlesser, Bertrand Tillier
- Beaux Arts Editions
- 15 Juin 2012
- 9782842789121
Rodin était un créateur hors pair, un travailleur acharné et un génie de la sculpture. L'exposition sur les marbres restitue l'évolution du style de Rodin : du fini, du précis au flou, au non finito. L'album se consacre à l'importance du marbre dans l'évolution de l'esthétique de Rodin.
Le marbre, matériau mythique évoquant la Grèce antique ou l'Italie de Michel-Ange, est considéré comme le plus apte à représenter la chair. Il stimule le talent de Rodin à jouer de la lumière et des ombres, des creux et des saillies, à cultiver le modelé, par opposition à la ligne néo classique. Le non finito, symptomatique de l'art de Rodin, est autant une réflexion sur l'inachèvement que sur la trace.
Exposition au musée Rodin, Paris, du 8 juin 2012 au 1er septembre 2013
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Lei Saito : cuisine existentielle
Alain Kruger, Agnieszka Gratza, Thomas Schlesser
- Is-Land
- 20 Avril 2022
- 9791097544072
Très tôt dans sa pratique, Lei Saito développe une série de performances et d'installations culinaires - la « cuisine existentielle » -, qu'elle présente notamment au Centre Pompidou, et lors de collaborations pendant la Biennale de Riga, ou avec l'École des mines, Paris, la Fondation Hartung Bergman, Antibes, le Palais de Tokyo, Paris, au 104, Paris, et aux Abattoirs de Toulouse.
Elle crée des pâtisseries « décapitées » habillées de coulis de framboises pour une fête du 14 juillet au Palais de Tokyo, conçoit un paysage comestible de légumes violets et jaunes pour un dîner au Matchesfashion de Londres, et installe une patinoire remplie de jus de clémentine dans la Galerie des multiples de Paris. Mais le monde de l'artiste n'est pas seulement merveilleux, son travail s'articule autour d'un ensemble complexe de références et de significations, puisant dans l'histoire de l'art, la mythologie et la langue, qui s'invente entre le japonais et le français.
Les compositions que Lei Saito réalise sont des hybridations entre les traditions culinaires, les époques et les saveurs qui forment ensemble une nouvelle histoire cristallisant une expérience sensuelle, une atmosphère nouvelle et partagée. Son acte artistique a pour objectif de créer une interaction entre les personnes, de faire vivre une expérience sensorielle au public qui dès lors participe à l'activation de l'oeuvre elle-même. La dimension relationnelle est toujours présente dans son travail. Il ne s'agit pourtant pas d'un protocole, mais d'une caractéristique qui vient naturellement s'inscrire au coeur de sa pratique : tout y est question d'interactions et d'équilibre entre les récits qu'elle tisse et les expériences qu'elle propose. Pour accompagner ce récit culinaire fantastique, trois textes, écrits par Alain Kruger, Agnieszka Gratza et Thomas Schlesser, parcourent le livre. La contribution de ces auteurs nous propose une réflexion sur la fac?on qu'a la cuisine d'interroger notre rapport au monde. À quel moment devient-elle un geste métaphysique ? Autrement dit, ce que signifie la « cuisine existentielle » comme le propose Lei Saito.
